ストリートスタイル vs ストリートウェア

ストリートウェアには、歴史として明確な起点があります。1980年代初頭、南カリフォルニアでショーン・ステューシーがサーフボードにサインを入れ、そのサインがTシャツにプリントされ、ロゴを中心としたグッズカテゴリーが形成されました。一方、ストリートスタイルははるかに古くから記録されています。1994年にヴィクトリア&アルバート博物館がこの分野を調査した際、その年表は1940年代初頭の「ズートスーツ」から始まり、約40ものスタイルが挙げられました。これらのルーツは、最初のステューシーのTシャツよりも40年も前になります。

ストリートスタイルの写真には常にストリートウェアのアイテムが登場します。逆の現象も起きており、人々は新しい用語（ストリートウェア）を、より古い概念（ストリートスタイル）に当てはめて使っています。

こうしたラベルには政治的な側面もあります。2016年、FIT美術館の展覧会でデザイナーのカービー・ジーン・レイモンドは、会場のパネルを使い、ストリートウェアというラベルに異を唱えました。「何が『ストリート』と呼ばれているのか知りたい。服なのか、それとも私なのか？」と。

定義とは？

たった一人の着用者が、自らの選択で、異なる出自の服を組み合わせる――これが唯一の定義です。原宿のスタイル記録を見れば、デザイナーズアイテムに使い古した学校のパンツ、お下がりやハンドメイド品、伝統衣装と西洋服をミックスする様子が伺えます。アイテムの特定のルールはなく、あくまで「混ぜる」ことが重要です。寝室の鏡の前で撮った自撮りも、すべてのピースを自分で選んでいれば同様です。ソウルのファッションウィークでは、5歳児が小さなストリートウェアを着て母親と歩く姿が見られますが、そこでの選択は必ずしも本人の意思とは限りません。単に支給された制服を着るだけでは「ストリートスタイル」の条件から外れますが、それを放課後にリメイクして着こなせば話は別です。同じブランドの新作だけで全身を固めるのは、どこであれ「販売促進」とみなされます。どう組み合わせるかというハウツーについては、「ストリートスタイルの着こなし術」をご覧ください。

スタイル分類

現代のストリートスタイルには、それぞれ独自のルールを持ついくつかの名称があります。ブロークコア（Blokecore）は、90年代のサッカーユニフォームを日常着として取り入れるスタイルで、TikTokで定着しました。スケータースタイルは、機能性を求めたフラットな靴とワイドパンツが象徴的で、実際にスケートボードに乗らない人にも浸透しています。サイバーグランジは、落ち着いたトーン（黒、グレー、アースカラー）と、ネオンや反射材を多用する派手なスタイルに二分され、メッシュ素材や合成繊維を重ねるのが特徴です。

また、大きなデニムと大胆なグラフィックが特徴の90年代ヒップホップスタイル、ローウエストやラインストーンを多用する2000年代リバイバルも人気です。アウトドア用品を街着にする「ゴープコア」は、ハイカーの行動食（Good Old Raisins and Peanuts）が由来で、2017年に名付けられました。これらの名称も永遠ではなく、新しいスタイルに入れ替わっていきます。

トータルコーディネート

着用者のセンスで組み上げられた3つのスタイルをご紹介します。

ズートスーツは、当時の若者にとって反抗の象徴でした。マルコムXも愛用したこのスーツは、膝周りが広く足首に向けて細くなるパンツと、膝まであるロングジャケット、つば広の帽子、二色使いの靴、そしてジャケットの裾まで垂らした長いチェーンが特徴です。戦時中の衣類統制によりウールの使用量が制限された1942年にも、裏社会の仕立て屋が作り続け、1943年にはロサンゼルスで兵士と若者の間で暴力的な衝突まで起きました。このスーツは1994年の美術館の展示にも取り上げられています。

80年代初頭のブルックリンのスタイルには、アディダスのシェルトゥやスエードのプーマに「太いシューレース」を通し、トラックスーツやリーのジーンズを合わせ、冬にはムートンやレザーのボンバージャケット、カンゴールの帽子、カザールのサングラス、ゴールドのロープチェーンを合わせるというルールがありました。これは当時の街の空気そのものでした。

一方で、雑誌『FRUiTS』が記録したスタイルは、あらゆるワードローブの境界を破壊していました。着物や帯、下駄をハンドメイド品や古着、デザイナーズ服と合わせ、竹下通りを行き交う一人ひとりが4世紀分の歴史と異なる価格帯の服をミックスしていました。すべてが着用者の独自のチョイスであったことが鍵です。

現在のスナップ事情

現在、ストリートスナップの主役はスマートフォンに移行しています。ブランドが自社のSNS用に直接カメラマンを雇うことも珍しくありませんが、個人運営の都市アカウントも非常に活発です。

ニューヨークで最も有名な「Watching New York」は、伝説的なビル・カニンガムへの追悼から始まりました。写真家のジョニー・シリロは、ビルが亡くなった2016年に「彼の精神を感じるために」カメラを持って街へ出ました。彼のアカウントは今やインスタグラムやTikTokで数百万人のフォロワーを抱え、2024年には写真集も出版されました。彼は、「所属、受容、コミュニティ」をテーマに、個性的な古着や自作服を着た人々を撮影し続けています。

もう一つの潮流は、個人のSNS投稿です。鏡越しやセルフタイマーで撮影した「本日のコーディネート」が、プラットフォームの重要なコンテンツとなっており、着用者自身が撮影者と被写体の両方を担っています。

ソウル、ラゴス、コペンハーゲン

ストリートスタイルは都市ごとに異なります。ソウルは現在、最も熱狂的なシーンの一つです。東大門デザインプラザ（DDP）で開催されるファッションウィークでは、Vogueのスナップカメラマンが常に巡回し、最新のストリートウェアを全身黒でまとめた若者たちを記録しています。同時に、50代のモデルや80歳のファッショニスタが登場するなど、年齢の壁を超えたミックス感も注目されています。

ラゴスには、現在最も若いビッグシーンの一つがある。この街のファッションウィークは毎シーズン、歩道に群衆を引き寄せ、ストリートウェアの祭典「ストリート・スーク（Street Souk）」には、デニムのつぎはぎやヴィンテージのスポーツウェアをまとった何千人もの若いナイジェリア人が集まる。この集まりは、ヴァージル・アブローが「若者主導のファッションルネッサンス」の一環として支援したものだ。同フェアは初年度の出店者40・来場者1500人から、115以上の出店者・5000人規模へと成長し、2020年にはOff-Whiteがコラボレーションコレクションを発表した。コペンハーゲンも2020年代を通して独自のストリートでの評価を築き上げ、最近のシーズンの歩道では足袋ブーツやサイクリングパンツ風のシルエットが見られる。ニューヨーク、ロンドン、ミラノ、パリは依然としてショーの公式カレンダーを運営しているが、ストリート系のメディアがそれらだけを目的地として扱うことは、随分前に終わっている。

「案件」のコーディネートを見抜く方法

ファッションウィークのストリートスタイルは、現在では貸し出し衣装と金銭報酬で成り立っている。ブランドは開催前にサンプルラックを送り、大物ほど貸し出し料に加えて出演料を請求し、カメラマンはその写真を雑誌に売り込む。トップメディアで実績のあるカメラマンの1シーズンは約3万ドルから始まり、新人でも1枚の写真が100ドルになることもある。依頼されたコーディネートは、偶然見つけたコーディネートとは撮れ方が異なり、契約書を見ればどこに注目すべきかがわかる。

その言葉の由来

その記録は隠しカメラから始まった。オスロの19歳の数学学生カール・ストールメルは、1893年に隠しベストカメラを購入した。ボタンホールからレンズが出る仕組みでベストの下に平たい缶を仕込み、4年間かけて街の目抜き通りで通行人を撮影し、約500枚の写真を残した。挨拶の最中の姿をプレート1枚につき6回分露出させていた。1942年にノルウェーの雑誌に寄せた彼自身の記述には、その手法が簡潔に記されている。彼は「犠牲者を見つけて挨拶をし、優しい微笑みをもらってシャッターを切った」。プレートはオスロの公共コレクションに収蔵されており、ストールメルはその後教授となり、北極光の物理学で長いキャリアを築いた。その10年後、ロンドンでは『パンチ』誌の主任漫画家エドワード・リンリー・サンボーンが、1905年から1908年にかけてケンジントンの通りを歩く女性たちを、本人に無断で撮影した。それぞれの写真には日付が記録されており、1906年7月、ノッティングヒル・ゲートを急ぎ足で通り過ぎる二人の女性、夏なのにマフを持つ女性、本を読みながら歩く若い女性などが収められている。彼にとって写真は最初、『パンチ』の漫画を描くための資料だったが、やがて妻の日記に「執着」と書かれるほどになった。屋根裏部屋がスタジオに、浴室が暗室になり、その習慣はパリの大通りやビーチの群衆の撮影にまで及んだ。1世紀後、区の図書館がそれらの写真を公開し始めた際、彼は現代の借り物の肩書き「エドワーディアン・サルトリアリスト」として分類された。

新聞がこれを取り入れるまでには、さらに70年かかった。1978年12月、『ニューヨーク・タイムズ』紙がビル・カニンガムによる即興的なストリートスナップの特集を掲載。彼のコラム「On the Street」は40年近く続いた。仕事についての彼自身の言葉は、「最高のファッションショーは毎日、通りで行われている」というものだった。彼が他のどの場所よりも大切にしていたのは、5番街の57丁目だった。ストリートスナップの被写体は、カメラが来る前から着飾っており、このジャンルの「誠実さ」はそのタイミングに懸かっている。カトリーヌ・ドヌーヴがかつてカメラマンの群れの中で彼とすれ違った際、彼はカメラを構えなかった。彼女の服からは、その日、彼が撮るべきものは何も与えられなかったからだ。

ブルックリンは、第三の撮影手法を付け加えた。15歳からカメラを持ち歩いていたレッドフック出身のジャメル・シャバズは、1980年から自分の近所を撮り始めた。喜びと自信を記録に残すことを目的に、まず本人に声をかけた。自己紹介をして名刺を渡し、何十年も繰り返した「君を見ると、偉大さを感じるんだ」という言葉とともに、過去のポートレート写真をアルバムで見せた。彼は誇り、自信、遊び心、温かみを探し、現像した写真のコピーを2枚作り、その1枚を被写体に手渡していた。2001年に出版された彼の著書『Back in the Days』は、初期のヒップホップの服装を1コマずつ固定して記録した。

東京のシーンは、交通規制から生まれた。1977年、原宿の自治体は日曜日に大通りを歩行者天国にした。これは街を占拠していた暴走族への対策だったが、この閉鎖により、見られるために着飾る人々のための無料の舞台が生み出された。最初にここを埋め尽くした「竹の子族」は、鮮やかなハーレムスーツに身を包み、1980年代半ばまでそこで踊った。1997年6月、青木正一が雑誌『FRUiTS』を創刊。その通りを撮影し、コーディネートをブランドごとに詳述し、被写体が個人的に書いた「ファッションのポイント」を1行添えたフルページのポートレートだ。紙面は17歳のその朝の決断を記録し、標本のように整理した。タワーレコードを通じて海外でも販売され、日本国外のデザイナーはこれらのページを通じて原宿を知った。青木は、この楽園の終焉を創刊号のわずか1ヶ月後の1997年7月としているが、それでも雑誌は233号まで続いた。そしてマーク・ジェイコブスやカール・ラガーフェルドは、2010年代に至るまで原宿ルックを追い求めた。2005年、スコット・シューマンが『The Sartorialist』でこの形式をオンラインに移行させると、2014年には4大ファッション都市でカメラマンの群れが交通を遮断するほどになった。

1994年、美術館がこの分野全体を分類した。ヴィクトリア＆アルバート博物館で1994年11月16日から1995年2月19日まで、人類学者のテッド・ポルヘムスによって「Streetstyle」展が開催された。ディック・ヘブディジは1979年にこの分野の有名な著書を書いており、パンクの安全ピンをクラス（階級）に関するメッセージとして読み解いた。ポルヘムスの「トライブ（部族）」に対する解釈はもっとシンプルだ。服装と音楽の共有されたコードは、親の家を離れ、自分の家がまだない時期の十代の若者に「自分たちのような人々」という感覚を与えた。彼の一つの章のタイトルは、ファッションの従来の移動方向である「バブルアップ（下から上へ）」を逆転させている。デニムがそれを証明している。シアーズのカタログは1947年にはすでに女性や子供向けのカジュアルデニムを販売しており、デザイナーが高級品として扱う丸一世代前に、ワークウェアが上位市場へ移動していたのだ。

争い、そして終わったもの

2010年代までには、報酬を得るバージョンが偶然の出会いを圧倒し、コーディネートはカメラのために存在するようになった。2016年9月のミラノファッションウィークの終わりに、Vogue.comの編集者たちが印刷物でこれを批判した。サリー・シンガーは、1時間おきに全身の「案件」衣装を着替えるブロガーたちに向けて「あなたたちはスタイルの死を告げている」と締めくくった。その時期、主要メディアも次々と閉鎖した。ビル・カニンガムは2016年6月に亡くなり、「On the Street」も彼と共に終わった。『FRUiTS』は2017年2月に最終号を印刷し、青木はインタビューで「もう撮影するようなクールな子供たちはいない」と語った。『The Sartorialist』のサイトは、開設から20年5ヶ月を経た2026年2月に閉鎖された。しかし、リテール（小売）の出版はそれらを通して止まることはなかった。

ルックをコピーするコスト

バブルアップはサブスクリプションビジネスへと変貌した。トレンド予測サービス最大手のWGSNは、年間数万ドルとも報じられる高額な料金で、ブランドにストリートの方向性を販売している。二つのトライブ（部族）をコピーするコストは異なる。グラフィック主体のトライブはアートファイルとして流通する。1つのプリント設定で、工場がすでに何千枚もカットしているブランクス（無地服）に載せるだけだ。ゴシック調の蛇やレイヴのポスターなど、同じベースが使われる。テーラーリング主体のトライブは型紙として移動する。製図、サイズ展開のグレーディング、フィット感の確認など、各サイズや各カラーごとに在庫の賭けが必要になる。SHEINが公開しているプロセスでは、100〜200着から新しいスタイルを開始し、販売のシグナルに合わせて再注文する。同社が「約10日間まで圧縮可能」と説明するサイクルだ。当店はその商売の末端で仕入れており、プリントとして流通するトライブは20ドルのブランクスの上に載るという経済性が、ルックを手の届く価格に保っている。

私の考え

私はこれらの服を売っており、私の視点もその事実から始まっている。ストリートスタイルをそう呼ぶに値させるものは「見る」という行為だ。誰かが他人の服装を見て、写真に撮る価値があると決めること。歴史のほとんどにおいて、その「観察者」はカメラをベストに隠したり、街角に立っていた。今では、コーディネートしている本人がそれを持っていることが多い。青木が『FRUiTS』を閉刊する際、もうクールな子供たちはいないと言った。私の読みでは、彼は逆だった。クールな子供たちは以前より増えていたのだ。終わったのは、彼らが「見つけてもらう」必要性だった。スマートフォンのおかげで、彼らは自分のコーディネートを自分で撮影し、自分のページに投稿できるようになった。鏡に映った自分の服を撮ることは、彼の雑誌が掲載していた写真と、カメラを持った他人がいないという点以外は同じ写真だ。これらすべてにおいて、店ができることは小さい。私はピース（服）をストックするだけであり、それらを組み合わせる人が結果を生み出しているのだ。

よくある質問