Streetstyle vs. Streetwear

Streetwear hat ihren Ursprung in der jüngeren Geschichte. Shawn Stussy signierte Anfang der 1980er-Jahre Surfbretter in Südkalifornien, seine Signatur wanderte auf T-Shirts, und um das Logo herum entstand eine ganze Merchandise-Kategorie. Streetstyle lässt sich jedoch noch viel früher dokumentieren: Als das Victoria and Albert Museum 1994 die Szene katalogisierte, begann die Chronologie mit den Zoot Suits der frühen 1940er-Jahre und umfasste rund vierzig verschiedene Stilrichtungen. Zwischen der ältesten dieser Richtungen und den ersten Stussy-T-Shirts liegen vier Jahrzehnte.

Streetwear-Teile tauchen ständig in Streetstyle-Fotos auf. Die Vermischung verläuft in eine Richtung: Man nimmt den neueren Begriff und legt ihn auf das ältere.

Die Labels haben ihre eigene politische Dimension. 2016 stellte das Museum am FIT Pyer Moss in seiner Ausstellung „Black Fashion Designers“ aus, und der Designer Kerby Jean-Raymond nutzte das Plakat selbst um sich gegen das Etikett zu wehren: „Ich möchte nur wissen, was hier als ‚Street‘ bezeichnet wird, die Kleidung oder ich?“

Was zählt

Ein Träger, allein getroffene Entscheidungen und unvereinbare Herkünfte: Das ist der ganze Mitgliedschaftstest. Die Harajuku-Platte zeigt die Mischung in ihrer vollen Stärke. Designerstücke über abgetragenen SchulhosenIn einer Umfrage wurden gebrauchte und selbstgemachte Kleidungsstücke neben Haute Couture, traditionelle Kleidung neben westlicher Mode beschrieben. Nichts davon ist zwingend notwendig; wichtig ist die Kombination. Ein Outfit, das vor dem Schlafzimmerspiegel präsentiert wird, zählt genauso, wenn die Besitzerin jedes einzelne Teil selbst ausgewählt hat. Abseits der Seouler Fashion Week beginnt die Szene schon mit etwa fünf Jahren. Kleinkinder in winziger Streetwear Während ihre Mütter einen Schritt außerhalb des Kamerabereichs stehen, ist die Vermischung der Stile real, und die Wahl der Kleidung liegt nicht immer bei den Trägern selbst. Eine Schuluniform, die so getragen wird, wie sie ausgegeben wurde, bleibt außerhalb der Prüfung; dieselben Teile, nach dem Klingeln neu zugeschnitten und kombiniert, werden direkt hineingetragen. Ein Outfit, das ausschließlich aus der aktuellen Kollektion einer Marke besteht, wird überall, wo es auftaucht, als Merchandising-Artikel verkauft. Das Zusammenstellen eines Outfits unter diesem Label ist ein eigenes Thema, das in Wie man sich im Streetstyle kleidetDie

Die Stile

Das Etikett umfasst heute eine Handvoll namentlich genannter Richtungen, von denen jede ihre eigenen Regeln hat. Blokecore Das ist das Fußballtrikot aus den 90ern, das als Alltagskleidung getragen wird: ein lockeres Vintage-Trikot mit echtem Vereinswappen, darunter schlichte Jeans, das man niemals in der Nähe eines Spiels trägt; TikTok hat sich Anfang der 2020er Jahre für diesen Namen entschieden. Skater-Stil Sie behalten die flachen Schuhe und weiten Hosen, die von den Rampen stammen, Sohlen, die so konstruiert sind, dass man ein Skateboard spürt, Säume, die darüber gestapelt sind, T-Shirts, die für Bewegungsfreiheit geschnitten sind, und die Kleidung bleibt funktional bei Menschen, die sich nie von einem Bordstein abstoßen. Cyber Grunge Teilt sich in eine gedämpfte und eine neonfarbene Seite auf: verwaschene Schwarz-, Grau- und Erdtöne auf der ruhigen Hälfte, reflektierende Zierelemente und bildschirmhelle Akzente auf der lauten Hälfte, Netzgewebe und geschichtete Synthetikstoffe durchziehen beide.

Zwei Jahrzehnte der Erweckungsbewegungen verlaufen auf getrennten Wegen. Hip-Hop der 90er Jahre in übergroßen Jeans und auffälligen, groß getragenen Grafiken, 2000er Jahre Tiefsitzende Hosen, Logo-T-Shirts, Strasssteine und Denim-on-Denim. Gorpcore trägt Wanderkleidung auf städtischen Bürgersteigen, Trailrunning-Schuhe und Profilsohlen auf flachem Asphalt; Ein Autor des Magazins „The Cut“ prägte den Namen im Jahr 2017.Von der Wanderproviant-Spezialität, den guten alten Rosinen und Erdnüssen. Keiner der Namen ist von Dauer; eine Richtung nutzt sich eine Zeit lang stark ab, und eine neue tritt an ihre Stelle.

Von Kopf bis Fuß

Drei Outfits, beschrieben, wie ihre Träger sie zusammengestellt haben.

Der Zoot Suit wurde nach Maß gefertigt. Der junge Malcolm X erinnerte sich an seinen ersten: eine hellblaue Hose, die am Knie 76 cm breit war und sich zum Knöchel hin auf 30 cm verjüngte, darunter ein Mantel, der die Taille betonte und ab dem Knie ausgestellt war; dazu ein breitkrempiger Hut, zweifarbige Schuhe und eine Uhrenkette, die vom Hosenbund bis unter den Jackensaum reichte. All dieser Stoff führte zu einer Vorstrafe. (War Production Board) Die Wolle in einem Herrenanzug wurde 1942 abgerundet.Trotzdem schnitten Hinterhofschneider sie weiterhin zurecht, und im Juni 1943 verbrachten Soldaten eine Woche damit, Zoot-Suit-Träger in Los Angeles zu verprügeln. Eine Nachbildung des Anzugs wurde in der Museumsausstellung von 1994 aufgehängt und verblieb anschließend in der Sammlung.

Brooklyn in den frühen 1980er-Jahren arbeitete mit einer kürzeren Liste an Kleidungsstücken. Zuerst trug man Adidas-Sneaker mit Shell-Toe-Kappe oder Pumas aus Wildleder mit dicken Schnürsenkeln, dann einen Trainingsanzug oder Lee-Jeans, im Winter darüber ein Schaffell oder eine Lederbomberjacke, einen Kangol-Hut, eine Cazal-Brille, eine goldene Kordelkette und einen Namensgürtel. Shabazz fotografierte Hunderte von Varianten dieses Looks für „Back in the Days“. Die Regel betraf die Schuhe: neuwertig, Schnürsenkel flach und breit, und diese Haltung wurde täglich beibehalten.

Eine FRUiTS-Seite brach üblicherweise die Regeln jeder Garderobe, aus der sie sich bediente. Aokis Motive zogen Kimono, Obi-Gürtel und Geta-Sandalen Outfits kombiniert mit handgefertigten Stücken, Secondhand-Funden und alternativen Designerlabels. Lagenlook blieb sichtbar, Plateauschuhe wurden darunter getragen, und ein einziges Outfit konnte an einem Sonntag durch vier Jahrhunderte und vier Preisklassen die Takeshita-dori entlanggetragen werden. Jedes einzelne Teil war die persönliche Wahl der Trägerin.

Wer macht jetzt die Fotos?

Die meisten Aufnahmen entstehen heutzutage mit Handys. Die saisonalen Bildergalerien sind nach wie vor präsent, Marken engagieren Streetfotografen direkt für ihre eigenen Kanäle, und einige der lebendigsten Seiten sind Stadtberichte – ein Fotograf und ein Feed, wo früher ein Impressum stand.

Das bekannteste Beispiel in New York begann als Gedenkveranstaltung. Johnny Cirillo, ein Fotograf aus Queens, ging am Todestag von Bill Cunningham im Jahr 2016 mit seiner Kamera auf die Straße. „Nur um Fotos zu machen und seinen Geist ein wenig zu spüren.“ Er genoss den Tag so sehr, dass er nicht aufhören konnte, fotografierte ein ganzes Jahr lang, ohne etwas zu posten, und begann dann, Instagram als Archiv zu nutzen. Der Account heißt „Watching New York“. streift jeden Tag stundenlang durch Brooklyn und Manhattan.Sie schoss zunächst ein Schnappschuss und joggte dann hin, um um Erlaubnis zum Veröffentlichen zu bitten, und hat so schon Tausende von Menschen fotografiert. Im Folgenden wird Folgendes beschrieben: Millionen auf Instagram und TikTok2024 erschien das Buch „Street Style A to Z“ mit einem Vorwort von Gigi Hadid, und die Presse gab ihnen den Spitznamen „Paparazzi des Volkes“. Die Porträtierten reichen von Julia Fox bis zu den Tausenden weniger bekannten Passanten, die durch sein Bild laufen, und so wird das Archiv Jahr für Jahr zu einer Zeitkapsel des Kleidungsstils der Stadt.

Er sucht nach Unikaten, Secondhand-Stücken und Selbstgemachtem mit einer Geschichte dahinter, und er sagt, die besten davon fänden sich genau aus diesem Grund in Williamsburg. Seine drei Worte für das Buch waren Zugehörigkeit, Akzeptanz, Gemeinschaft. Abweisungen kommen vor, er wurde angefasst und angeschrien, und er nennt das Teil des Alltags, und das Gegenteil passiert viel häufiger: „Ich sehe Leute vier oder fünf Mal an mir vorbeigehen.“ Zwei Schwestern aus Indien erzählten ihm einmal, dass die Fotos ihre Freunde in der Heimat inspirieren.

Die andere Hälfte des Feeds ist aus der Ich-Perspektive. Outfits werden vor dem Spiegel und mit Selbstauslöser fotografiert, Outfit-des-Tages-Posts und Passform-Checks füllen ganze Ecken der großen Plattformen, wobei die Trägerin gleichzeitig vor und hinter der Kamera präsent ist. Die guten Posts listen das Outfit immer noch Stück für Stück auf.

Seoul, Lagos, Kopenhagen

Die Szene verändert sich von Stadt zu Stadt. Seoul hat derzeit die lauteste Szene hervorgebracht: Die Shows finden im metallischen Dongdaemun Design Plaza statt. Ein Fotograf fotografiert Saison für Saison die Bürgersteige davor für die Vogue.Und die Grundlinie, durch die er sich bewegt, ist von Kopf bis Fuß schwarz gekleidet, unterbrochen von den neuesten Streetwear-Releases, mit einem Publikum, das dort jünger ist als anderswo. Auch die Älteren sind vertreten: Die Überwachungskameras am Bürgersteig haben Folgendes eingefangen: Models in ihren Fünfzigern und eine Achtzigjährige am ersten Tag einer Saison.Die

Lagos hat eine der jüngsten und dynamischsten Modeszene der Welt. Die Modewoche der Stadt. zieht jede Saison sein Publikum auf den Bürgersteig.und der dazugehörige Streetwear-Markt Street Souk zieht Tausende junger Nigerianer in zerschnittenen Jeans und Vintage-Sportbekleidung an, ein Treffpunkt Virgil Abloh unterstützte dies als Teil einer „jugendgetriebenen Moderenaissance“. Die Messe wuchs von 40 Händlern und 1.500 Besuchern im ersten Jahr auf über 115 Händler und 5.000 Besucher an, und Off-White brachte 2020 eine Kollektion im Rahmen der Messe heraus. Kopenhagen erwarb sich in den 2020er Jahren einen eigenen Ruf als Streetwear-Szene. Tabi-Stiefel und Fahrradproportionen auf den Bürgersteigen der letzten Saison.New York, London, Mailand und Paris bestimmen nach wie vor den Modekalender; die Straßenseiten haben schon vor einiger Zeit aufgehört, sie als einzige Stationen zu behandeln.

Wie man ein bezahltes Outfit erkennt

Der Streetstyle der Fashion Week läuft weiter geliehene Kleidung und Bargeldgebühren Heute: Marken schicken vor der Woche Musterständer per Kurier, größere Namen stellen zusätzlich zum Darlehen Bargeld in Rechnung, und die Fotografen verkaufen die Bilder an die Magazine zurück. Die Saison eines bekannten Fotografen bei einem Top-Titel beginnt bei etwa 30.000 Dollar, das Einzelbild eines Newcomers bei 100 Dollar. Ein gebuchtes Team fotografiert anders als ein zufällig ausgewähltes, und die Verträge geben vor, wo man suchen muss.

Woher das Wort kommt

Die Geschichte beginnt mit versteckten Kameras. Carl Størmer, ein neunzehnjähriger Mathematikstudent aus Oslo, kaufte sich 1893 eine Westenkamera – ein flaches, unter der Weste getragenes Gehäuse, dessen Linse durch ein Knopfloch geführt wurde – und fotografierte vier Jahre lang Passanten auf der Hauptstraße der Stadt. Rund 500 Aufnahmen von Menschen, die ihn gerade grüßten, entstanden auf einer Platte mit sechs Belichtungen. Sein eigener Bericht, den er 1942 einer norwegischen Zeitschrift gab, beschreibt die Methode ganz einfach: Er „Ich fand ein Opfer, begrüßte mich, bekam ein freundliches Lächeln und zog.“ Die Platten befinden sich in den öffentlichen Sammlungen von Oslo, und Størmer wurde anschließend Professor und verfolgte eine lange Karriere auf dem Gebiet der Physik der Nordlichter. Ein Jahrzehnt später fotografierte Edward Linley Sambourne, der Chefkarikaturist von Punch, in London Frauen auf der Straße. Straßen von Kensington Von 1905 bis 1908 fotografierte er ohne ihr Wissen und datierte jedes Bild. Darunter zwei Frauen, die im Juli 1906 eilig am Notting Hill Gate vorbeieilten, eine von ihnen mit einem Muff im Sommer; junge Frauen, die beim Spazierengehen Bücher lasen. Die Fotografie hatte als Vorlage für seine Punch-Cartoons Einzug in sein Leben gehalten und entwickelte sich zu einer, wie seine Frau in ihrem Tagebuch schrieb, regelrechten Obsession. Der Dachboden diente ihm als Studio, das Badezimmer als Dunkelkammer. Diese Leidenschaft begleitete ihn auf die Pariser Boulevards und an die Strände. Als die Stadtbibliothek ein Jahrhundert später begann, die Bilder zu veröffentlichen, ordnete sie ihn unter einer modernen Berufsbezeichnung ein: Edwardianischer Schneider.

Die Zeitungen brauchten weitere sieben Jahrzehnte. Dezember 1978 Die New York Times veröffentlichte eine Reihe spontaner Straßenfotografien von Bill Cunningham, und seine Kolumne „On the Street“ erschien fast vier Jahrzehnte lang in der Zeitung. Sein Motto lautete, die beste Modenschau finde täglich auf der Straße statt. Eine Ecke, die Fifth Avenue an der 57. Straße, war ihm besonders wichtig. Die abgebildete Person war bereits angezogen, bevor die Kamera auftauchte, und genau auf diesem Timing beruhte der Anspruch des Genres auf Authentizität. Catherine Deneuve ging einmal inmitten einer Gruppe von Fotografen an ihm vorbei; seine Kamera blieb gesenkt, ihre Kleidung bot ihm an diesem Tag keine Beachtung.

Brooklyn brachte eine dritte Arbeitsweise hervor. Jamel Shabazz, ein Junge aus Red Hook, der seit seinem fünfzehnten Lebensjahr eine Kamera bei sich trug, begann 1980, seine eigene Nachbarschaft zu fotografieren, um Freude und Selbstsicherheit festzuhalten. Zuerst fragte er: eine Vorstellung, eine Visitenkarte, eine Phrase, die er jahrzehntelang wiederholte. „Wenn ich dich ansehe, sehe ich Größe.“ Er nutzte ein Fotoalbum mit früheren Porträts als Vorlage. Er suchte nach Stolz, Selbstbewusstsein, Verspieltheit und Herzlichkeit, und sein Fotolabor fertigte von jedem Bild zwei Kopien an, von denen eine dem Porträtierten mit nach Hause gegeben wurde. Sein 2001 erschienenes Buch „Back in the Days“ dokumentierte die frühe Hip-Hop-Garderobe Bild für Bild.

Tokio entwickelte seine Szene aus einer Verkehrsentscheidung heraus. Im Jahr 1977 Der Stadtrat von Harajuku sperrte die Hauptstraße sonntags für Autos.Eine Maßnahme gegen die Motorradgangs, die den Block beherrschten, führte zur Schließung der Straße und schuf so eine kostenlose, wöchentliche Bühne für alle, die sich modisch kleiden wollten. Die erste Gruppe, die sie nutzte, die Takenoko-zoku, tanzte dort bis Mitte der 1980er-Jahre in ihren farbenfrohen Harlem-Anzügen. Shoichi Aoki gründete im Juni 1997 das Magazin FRUiTS, um diese Straße zu fotografieren: ganzseitige Porträts, bei denen das Outfit Marke für Marke aufgelistet war und der Porträtierte persönlich einen Satz mit der Überschrift „Point of Fashion“ verfasst hatte. Auf einer Seite wurde festgehalten, was ein Siebzehnjähriger an diesem Morgen bereits entschieden hatte, und anschließend wie ein Musterheft abgelegt. Tower Records vertrieb das Magazin im Ausland, und Designer außerhalb Japans lernten Harajuku durch diese Seiten kennen. Aoki datierte die Schließung des Paradieses auf Juli 1997, einen Monat nach der ersten Ausgabe; das Magazin erschien trotzdem in 233 Ausgaben, und Marc Jacobs und Karl Lagerfeld umwarben den Harajuku-Look Bis weit in die 2010er Jahre hinein. Scott Schuman verlagerte das Format 2005 mit The Sartorialist ins Internet; ab 2014 konnte der Ansturm der Fotografen nach den Modenschauen in den vier Modehauptstädten den Fußgängerverkehr zum Erliegen bringen.

Ein Museum füllte das gesamte Gelände im Jahr 1994: Streetstyle lief im Victoria and Albert Museum von 16. November 1994 bis 19. Februar 1995Zusammengestellt vom Anthropologen Ted Polhemus. Dick Hebdige hatte 1979 das berühmte Buch zu diesem Thema geschrieben, in dem die Sicherheitsnadel eines Punks als Botschaft über die soziale Schicht interpretiert wurde; Polhemus' Interpretation der Gruppen bleibt einfacher: Ein gemeinsamer Kleidungs- und Musikstil gab Teenagern ein Gefühl der Zugehörigkeit, in einem Alter, in dem sie das Elternhaus verlassen haben und noch kein eigenes Zuhause besitzen. Einer seiner Kapiteltitel kehrte die alte Modetrendrichtung um, und Denim ist ein gutes Beispiel dafür: Sears-Kataloge verkauften lässige Jeans für Frauen und Kinder. bis 1947Arbeitskleidung wurde schon eine ganze Generation lang im gehobenen Segment angesiedelt, bevor Designer dies für sich beanspruchten.

Der Kampf und was ihn beendete

In den 2010er Jahren verdrängte die gekaufte Version die gefundene; das Outfit existierte nun nur noch für die Kamera. Zum Abschluss der Mailänder Modewoche im September 2016 Die Redakteure von Vogue.com selbst kritisierten es in der Printausgabe.Sally Singer wandte sich an Blogger, die stündlich ihre bezahlten Outfits von Kopf bis Fuß wechselten, und schloss mit den Worten: „Ihr läutet den Tod des Stils ein.“ Die Flagship-Stores schlossen im selben Zeitraum. Bill Cunningham starb im Juni 2016, und mit ihm endete auch „On the Street“. FRUiTS veröffentlichte seine letzte Ausgabe im Februar 2017, in der Aoki einem Interviewer erklärte, dass… „Es gibt keine coolen Kids mehr, die man fotografieren kann.“ Die Website von The Sartorialist ging offline im Jahr Februar 202620 Jahre und fünf Monate nach der Eröffnung. Der Einzelhandel hat über all diese Plattformen nie aufgehört zu publizieren.

Die Kosten für das Kopieren eines Looks

Aus dem boomenden Markt entwickelte sich ein Abonnementmodell. WGSN, der größte Trendprognosedienst, verkauft Marken hinter einer Bezahlschranke Informationen zu den neuesten Trends. Berichten zufolge belaufen sich die Beträge auf Zehntausende von Dollar pro Jahr.Die beiden Arten von Designs haben unterschiedliche Reproduktionskosten. Ein Grafikdesign wird als Grafikdatei gespeichert: Ein Drucksystem überträgt sie auf Rohlinge, die eine Fabrik bereits tausendfach herstellt – derselbe Rohling unter einem gotischen Schlangenmotiv oder einem Rave-Poster. Ein Schnittmuster hingegen wird als Schnittvorlage gespeichert: Entwurf, Gradierung über alle Größen, Anproben, Bestandsaufnahme jeder Größe und jeder Farbvariante. Sheins eigener veröffentlichter Prozess Das Unternehmen startet eine neue Kollektion mit 100 bis 200 Stück und bestellt bei entsprechender Nachfrage nach – ein Zyklus, den das Unternehmen wie folgt beschreibt: komprimierbar auf etwa zehn TageDieser Laden kauft am anderen Ende des Handels ein, und die gleichen ökonomischen Prinzipien sorgen dafür, dass der Look erschwinglich bleibt: Ein Stamm, der reist, während ein Druck auf einem 20-Dollar-Rohling landet.

Was ich denke

Ich verkaufe diese Kleidung, und meine Interpretation geht von dieser Tatsache aus. Was Streetstyle ausmacht, ist das Sehen: Jemand sieht das Outfit eines Fremden und entscheidet, dass es ein Foto verdient. Früher trug der Betrachter die Kamera, versteckt in einer Weste oder an einer Straßenecke; heute hält meist auch die Person im Outfit selbst die Kamera. Aoki schloss FRUiTS mit der Begründung, es gäbe keine coolen Kids mehr zum Fotografieren. Ich sehe das anders: Es gibt mehr coole Kids als je zuvor. Was verschwunden ist, ist ihr Bedürfnis, entdeckt zu werden. Mit dem Smartphone können sie ihre Outfits selbst fotografieren und die Bilder auf ihren eigenen Seiten posten. Ein Outfit-Selfie im Spiegel ist dasselbe Bild, das sein Magazin veröffentlichte – nur ohne den Fremden mit der Kamera. Was ein Geschäft davon für sich beanspruchen kann, ist gering. Ich verkaufe die einzelnen Teile, und die Person, die sie kombiniert, besitzt das Ergebnis.

Häufige Fragen